Las delirantes nominaciones a los Goyas 2007

Mejor película
El orfanato
Las 13 rosas
La soledad
Siete mesas de billar francés

Mejor película extranjera de habla hispana
La edad de la peseta, de Pavel Giroud. Cuba
Mariposa negra, de Francisco J. Lombarda. Perú
Padre Nuestro, de Rodrigo Sepúlveda. Chile
XXY, de Lucía Puenzo. Argentina

Mejor película de animación
Azur y Asmar
Betizu eta urrezko zintzarria
En busca de la piedra mágica
Nocturna, una aventura mágica

Mejor dirección
Iciar Bollain por Mataharis
Emilio Martínez Lázaro por Las 13 rosas
Gracia Querejeta por Siete mesas de billar francés
Jaime Rosales por La soledad

Mejor director novel
Juan Antonio Bayona por El orfanato
Tom Fernández por La torre de Suso
David y Tristán Ulloa por Pudor
Félix Viscarret por Bajo las estrellas

Mejor interpretación femenina protagonista
Maribel Verdú por Siete mesas de billar francés
Blanca Portillo por Siete mesas de billar francés
Belén Rueda por El orfanato
Emma Suárez por Bajo las estrellas

Mejor interpretación masculina protagonista
Álvaro de Luna por El prado de las estrellas
Alberto San Juan por Bajo las estrellas
Tristán Ulloa por Mataharis
Alfredo landa por Luz de domingo

Mejor interpretación femenina de reparto
Amparo Baró por Siete mesas de billar francés
Geraldine Chaplin por El orfanato
Nuria González por Mataharis
María Vázquez por Mataharis

Mejor interpretación masculina de reparto
Raúl Arévalo por Siete mesas de billar francés
José Manuel Cervino por Las 13 rosas
Julián Villagrán por Bajo las estrellas
Emilio Gutiérrez Caba por La torre de Suso
Carlos Larrañaga por Luz de domingo

Mejor actriz revelación
Gala Évora por Lola, la película
Bárbara Goneaga por Oviedo Express
Nadia de Santiago por Las 13 rosas
Manuela Velasco por REC

Mejor actor revelación
Óscar Abad por El prado de las estrellas
Gonzalo de Castro por La torre de Suso
Roger Pincep por El orfanato
José Luis Torrijo por La soledad

Mejor guión original
Icíar Bollaín y Tatiana Rodríguez por Mataharis
Ignacio Martínez de Pisón por Las 13 rosas
Gonzalo Suárez por Oviedo Express
Gracia Querejeta y David Planeeis por Siete mesas de billar francés
Sergio G. Sánchez por El orfanato

Mejor guión adaptado
Ventura Pons por Barcelona, un mapa
Laura Santullo por La zona
Félix Viscarret por Bajo las estrellas
Tristán Ulloa por Pudor
Manolo Uribe por La carta esférica

Mejor música original
Roque Baños por Las 13 rosas
Carles Cases por Oviedo Express
Míkel Salas por Bajo las estrellas
Fernando Velasco por El orfanato

Mejor canción original
'Esa luz', de Mataharis
'Fado da saudade', de Fados
'Glommy Sunday', de La caja Kovak
'Happy happy Chueca', de Chuecatown

Mejor dirección de producción
Juan Carmona y Salvador Gómez por Luz de domingo
Martín Cabañas por Las 13 rosas
Teresa Cepeda por Oviedo Express
Sandra Hermida por El orfanato

Mejor fotografía
José Luis Alcaine por Las 13 rosas
Álvaro Gutiérrez por Bajo las estrellas
Ángel Iguacell por Siete mesas de billar francés
Carlos Suárez por Oviedo Express

Mejor dirección artística
Wolfgang Bumann por Oviedo Express
Eloy Hidalgo por Las 13 rosas
Gil Parrondo por Luz de domingo
Joseph Rosell por El orfanato

Mejor diseño de vestuario
Sonia Grande por Lola, la película
Lena Mossum por Las 13 rosas
Lourdes de Orduña por Luz de domingo
María Reyes por El orfanato

Mejor maquillaje y peluquería
Lourdes Briones y Fermín Galán, por 'Oviedo Express'
Lola López e Icíar Arrieta, por 'El orfanato'
Mariló Osuna, Almudena Fonseca y José Juez por 'Las 13 rosas'
José Quetglas y Blanca Sánchez, por 'El corazón de la tierra'

Mejor montaje
David Gallart por Rec
Fernando Pardo por Las 13 rosas
Elena Ruiz por El orfanato
Nacho Ruiz Capillas por Siete mesas de billar francés

Mejor sonido
Carlos Bonmati, Alfonso Pino y Carlos Farudo por Las 13 rosas
Licia Marcos de Oliveira y Bernat Aragonés por Tuya siempre
Iván Marín, José Antonio Bermúdez y Leopoldo Aledo por Siete mesas de billar francés
Xavi Mas, Marc Orts, Oriol Tarrago por El orfanato

Mejores efectos especiales
Reyes Abades y Álex G. Ortoll por El corazón de la tierra
David Ambid, Enric Masip y Álex Villagrasa por REC
Pau Costa, Raúl Ramanillos y Carlos Lozano por Las 13 rosas
David Martí, Montse Ribé, Pau Costa, Enric Masip, Lluis Castell y Jordi San Agustín por El orfanato

Mejor documental
El productor
Fados
Invisibles
Lucio

Mejor cortometraje de ficción
El pan nuestro, de Aitor Merino Unzueta
Padam…, de José Manuel Carrasco Fuentes
Paseo, de Arturo Ruiz Serrano
Proverbio chino, de Javier San Román
Salvador (Historia de un milagro cotidiano), de Abdelatif Abdeselam Hamed

Mejor cortometraje de animación
Atención al cliente, de Marcos Valin y David Alonso
El bufón y la infanta, de Juan Ramon Galiñanes García
La flor más grande del mundo, de Juan Pablo Etcheverry
Perpetuum mobile, de Raquel García-Ajofrin Virtus y Enrique García Rodríguez
Tadeo Jones y el sótano maldito, de Enrique Gato Borregán

Mejor cortometraje documental
Carabanchel, un barrio de cine, de Juan Carlos Zambrana
El anónimo Caronte, de Toni Bestard
El hombre feliz, de Isabel Lucina Gil Márquez
Valkirias, de Eduardo Soler

Goya Honorífico
Alfredo Landa

Sweeny Todd: lo nuevo de Tim Burton

Fernando Fernán Gómez (1921-2007)

Grandes damas de la escena

A colación de la película anteriormente analizada me he proupuesto este tema para el programa de radio de esta noche, vamos a hablar (sí, vamos porque hoy también colabora Jordi Carbonell, gracies) de las grandes mujeres fuera de la pantalla que interpretaron a damas colosales, que trascienden el celuloide y permanecen después de la película, su papel fue tal que puede convertirse en un estilo de vida. Me atrevería con el ejemplo más claro de todos, Scarlatta O'Hara, esta "damisela en apuros" que resultaba ser una mujer con fuerza, garra y carácter que juraba ante dios en ese escena mítica y recordada, que ella jamás volvería a pasar hambre. Qué grande Vivien Leigh!

Pues empezando por Lo que el viento se llevó tengo que decir que debería revisarla pues hace tantisimos años que la vi que tengo vagas imágenes en mi cabeza, entre ellas la antes mencionada y esa en la que Clark Gable le dice lo de "francamente, querida, me importa un bledo" para dejar a la codiciosa Scarlett sola y sin un hombre que la pueda amar, esta según el AFI (American Film Institute) esta es la frase más célebre de toda la historia del cine, seguida de "Te voy a hacer una oferta que no podrás rechazar" de El Padrino. Por otra parte ella cerrará la película con otra de las frases más conocidas "¡Después de todo, mañana es otro día!" escondiendo sus verdaderos sentimientos en la resignación de que amanezca de nuevo con un sol cambiado.

Estamos ante una mujer de bandera que luchará por sus sueños y que vivirá sus pasiones, la debutante Vivien Leigh tuvo el placer de encarnar a una de las grandes damas del cine, con gran acierto además.

Otra de estas damas es la sensacional Bette Davis que con su papel de Margo Channing, una gran actriz de Broadway amenazada por la sombra de una "dulce" aspirante a actriz, Eva Harringhton (en la piel de Anne Baxter) que tiene uno de los monologos más grandes del cine, aquel en el que habla de los fanes como si fuesen animalillos. Ambas actrices, en el filme y en la realidad, supieron llevar sus carreras hacian donde se merecian pero fue Davis quien destacó, ella fue la de los ojos emblemáticos y la mirada caida, la gran Baby Jane que lloraba no ser ya quien fue, un mosntruo de la escena.

Un caso menos obvio es el de la protagonista femenina de Casablanca, que puede que con la presencia de Bogart se quede un poco en segundo plano, pero en realidad sin Ilsa, sin Ingrid Bergman jamás hubiesemos tenido a Rick pasandolo mal, debatiéndose sobre qué es correcto y qué no. Una mujer que consiguió que un rebelde recordase para siempre Paris, que hizo que toda su vida la pasara pensando en como habría sido seguir juntos, echandola de menos pero dejandola marchar como un caballero por una causa mayor, siempre habrá soñadores en el cine.

...

seguiré con el tema... que ahora me voy volando a la radiooooooooooooooo

(en la foto Joan Crawford y Bette Davis "eyes" -como la canción, que preciosidad- en una ¿Qué fue de Baby Jane? espeluznante retrato de dos hermanas actrices que acaban sus días juntas, con peor suerte para Crawford pues está en silla de ruedas y se debe a los cuidados de su hermana, la demente Baby Jane que quedó atrapada por el candor de los focos, de aquellas luces que veía cuando salia a escena... de aquello que sintió y que no volverá a tener... Dios que niveles de patetismo alcanza Davis en la escena del número musical, grande, grande, grande ésta mujer, sí señor!)

Un beso y animo que mañana es otro día!

La reina virgen

La verdad es que no me parece el mejor nombre por el que te conozcan, que todo el imperio sepa de tu falta de cariño y ausencia de enredos en la alcoba, triste. Pero Elizabeth no se empequeñeció por esto, ella al contrario se sentía que su único amante era su pueblo y nación, al que quería dar toda la grandeza que se merecía. Esta es una película de época con la magnificencía de contar con una diosa de la escena para interpretar a la regente, en la piel de la blanca Elizabeth tenemos a la siempre contundente Cate Blanchett, que es capaz de sostener los primeros planos como nadie y que consigue penetrar con su mirada en la cámara, entrando así en la mirada del espectador, invadiéndole.

No solo es una demostración del buen hacer de Blanchett, además es un ejercicio de asimilación, en el que se convierte por gracia divina en una de las reinas más poderosas de la Historia, una reina que supo mantenerse firme hasta que el imperio empezó a decaer pero que mantuvo las fuerzas y coraje de luchar para impedir que les venciese España, ese imperio en el que ya se empezaba a poner el sol y que Felipe II gobernaba mientras otra Isabel esperaba para ser reina.

Qué decir que la ambientación de la película es increible, está claro que hay presupuesto pues los palacios, vestidos, decorados, etc es formidable, reconstruido con magistralidad y precisión. Algo a destacar son los colosales peinados de nuestra reina, siempre con una inquisitorial mirada que deja frios a quien se atreven a mirarla de frente, Blanchet luce durante toda la película muy diversos peinados y vestidos que adornan al personaje que logra construir igual de bien cuando lo que lleva es un simple camión y su pelo corto, el natural, el que se esconde bajo las pelucas. De hecho hay una escena en el filme en que ella sale de su tienda de campaña con ese atuendo y se dirige al acantilado a contemplar la batalla naval, en la que se está decidiendo el futuro de su nación (la lucha se produce entre la Armada Invencible española y una pequeña flota inglesa).

Pero una gran dama no solo siente amor por su nación, ésta también siente amor por un hombre pero al no hallarse entre las posibles opciones matrimoniales debe renunciar a él, aunque envia a su dama de compañia a que intime con él para tenerle cerca. Raleigh, interpretado con sumo gusto por Clive Owen, es un aventurero que viene de explorar las americas y tiene intenciones de regresar pero su amistad con la reina le impedirá marchar de nuevo ordenandole Sir. La parmanencia en la corte solo le acerca más a Bess, dama de compañia de la reina, la cual verá como sus sentimientos humanos más ocultos salen a la luz, se sentirá celosa de lo que ella misma provocó. La reina virgen se enamora pero eligen a otra en su lugar.

El resto del elenco, además de estos dos genio ya nombrados, lo componen Geoffrey Rush como la mano derecha de su alteza, que con sus conspiraciones palaciegas consigue interceptar un plan de asesinato de la reina, este actor la verdad es que siempre deslumbra pero en esta vez ésta simplemente correcto pues tampoco se puede lucir mucho más. En el papel de Felipe II tenemos al español Jordi Mollá, que supongo se dobla a si mismo, con una espeluznante voz que le otorga un cariz místico y aterrador, otro que está muy bien definido en su personaje aunque se le acusa de estar pasado de rosca, algo que le suele pasar al español si no se modera. Y también cabe señalar a Samantha Morton en su interpretación de la reina sin trono Maria Esturado, prima de la reina y futura reina de Inglaterra según los planes de Felipe II, de Morton se dice que se echa de menos una mayor presencia en pantalla pues es una gran actriz, me sumo a lo dicho.

Otra escena a destacar es el discurso previo a la batalla, en el que una reina vestida para la lucha subida en su corcel otorga coraje a un ejercito que debe salvar su país, emotivo. Pero la que me arrancó unas lagrimitas (sí, estoy de lo más sensible) fue cuando Elizabeth contempla a Raleigh bailando con Bess y se da cuenta de que lo ama pero que jamás lo podrá tener como en esos momentos lo goza su dama, una mujer que podía dominar un imperio pero no conseguir al hombre que amaba.

Las 13 rosas

Con frecuencia se considera a Emilio Martínez Lázaro un director de comedias. Sin embargo, no es la primera vez que el cineasta afronta otro tipo de género (especialmente lograda fue su incursión en el cine negro con “La voz de su amo” de 2001). En esta ocasión, Martínez Lázaro afronta la historia real de 13 chicas republicanas que murieron fusiladas a manos de los nacionales en 1939.

No es tarea fácil llevar al cine historia tan compleja, con tantos personajes y con tan delicado material. El resultado, por desgracia, no está a la altura de las expectativas y resulta parcialmente decepcionante. A fuerza de querer ser lo más fiel posible a la experiencia narrada por algunos de los personajes que sobrevivieron esa historia, la película queda desdibujada, la narración no parece ni fluida ni especialmente atractiva para el espectador. Da la sensación de que Martínez Lázaro no se ha implicado en la historia como era necesario a la hora de tratar un tema tan delicado. Lo que más irrita es el evidente intento de suavizar la dura historia que se narra a fin de conseguir una película agradable para el gran público, dulcificando la terrible realidad, evitando mostrar casi en todo momento una crudeza tan real como aquí esquivada. Tan sólo alguna escena de tortura se acerca, si quiera tímidamente, a la realidad que pretende contar esta película excesivamente blanda.

Tras una escena inicial bastante floja, la película va mostrando a los distintos personajes y el clima de represión inmediatamente posterior al final de la guerra. Es quizás, la mejor parte de la película aunque, incluso aquí, se cuelan personajes y situaciones que chirrían. Cuando las protagonistas ingresan en prisión, la película va perdiendo peso y credibilidad, (la cárcel parece más bien un patio de colegio, con esas bromas, esos bailes, esos cánticos, esas casi entrañables funcionarias de prisiones…) sólo recuperados parcialmente en un final no por previsible menos impactante. Sin embargo, el conjunto de la película no emociona, el espectador no llega a implicarse plenamente con los personajes y la intensidad que cabía esperar de una historia como esta, se queda a medio gas.

En el haber de la película cabe mencionar las interpretaciones de Verónica Sánchez y Marta Etura. Pilar López de Ayala está tan inexpresiva como casi siempre, mientras que Nadia de Santiago y Félix Gómez están directamente flojos. La ambientación, los funcionales efectos especiales y la excelente música del incombustible Roque Baños se encuentran entre lo mejor de la película.

Queda, con ese final que apela de forma un tanto discutible a la famosa reconciliación, una sensación de ocasión desaprovechada, de obra fallida. Queda “Las 13 rosas” como una película menor dentro de la filmografía de un cineasta más que competente que aquí no ha sabido meter mano a una historia que pedía una mayor implicación.

I promise, brother...

PROMESAS DEL ESTE... menudo peliculón acabamos de ver (Jordi y yo que a causa de que trabaja mucho y le va más el teatro ve poco cine y como me he enterado y como eso para mi es un sacrilegio pues lo he secuestrado).

Desde "los padrinos" que no veia una tan buena película sobre mafias, en esta ocasión sobre el duro mundo del tráfico de humanos y demás trapicheos en la Europa del Este enfocados al Londres más desconocido para el turista habitual, una ciudad que se mueve bajo los influjos de rusos que dominan a sus conciudadanos y someten a una vida indigna a sus mujeres.

Todo comienza cuando la comadrona Anna, interpretada por una efectiva y de belleza nata Naomi Watts, de raices rusas, atiende en un parto nocturno a una joven de 14 años, la cual da a luz a una niña pero no sale con vida del alumbramiento. Anna encontrará entre las cosas de la joven un diario en el que anotaba todo lo que en su nueva vida londinense le pasaba, el problema es que está escrito en ruso y Anna no sabe la lengua. Tendrá que acudir a su tio para que lo traduzca pero ante la negativa de este acude al restaurante del que encuentra una tarjeta en el diario.

Ahí confluyen todos los puntos de la historia, en el Trans Siberian, el restaurante ruso del que es dueño Semyon, interpretado verazmente por Armin Mueller-Stahl, El Rey de la mafia en los más reconditos barrios londinenses, codeándose en su restaurante con la gente de más alto nivel de la sociedad emigrada rusa. Aquí entra en escena el hijo de Semyon, Kirill en la piel del francés Vincent Cassel, un viva la vida con muy poca cabeza y demasiado poder, que tiene como chofer (y es que la guinda del pastel me la habia dejado para el final, me gusta degustar los buenos postres) a Nikolai, un ruso que ha pasado por la cárcel y esta dispuesto a deberle lealtad al principe para entrar a formar parte de lo más intimo de la corte del rey, un magnífico, espeluznante (por la falta de escrupulos) y cautivador Viggo Mortensen. En esta nueva colaboración del director David Croneneberg y el actor neoyorquino (aunque con una gran mezcolanza en la sangre y vivencias) consiguen continuar con lo que ya empezaron en Una historia de violencia, tocar el alma humana, su vertiente psicológica, la física y el destino de un hombre que puede que jamás revele su verdadera naturaleza.

La cuestión es que el simple recuerdo a El padrino ya le da un empaque sufiente a esta película para otorgarle una oportunidad y no se arrepetiran, eso sí, si son aprensivos a la sangre van a sufrir un poco pero el humanismo de los personajes es tal que hasta te metes en la piel de los horribles personajes que recorren el metraje (no hablo de comprender lo que hacen, eso nunca está justificado pero se siente más de cerca el miedo, la fustración, la impotencia...) y vivir desde dentro que es una organización mafiosa como la real y estudiada por el guionista del film, Steve Knight autor de Negocios ocultos, Vory V Zakone, en la que está metido Semyon y en la que cuando eres miembro recibes el honor (dudoso pero muy sexy después de ver a Mortensen sobre los sillones rojos en una de las mejores escenas del film) de que te tatuen una estrella en cada parte del pecho y una en cada rodilla, porque un miembro de Vory V Zakone no se puede arrodillar nunca más ante nadie. Cuestión de orgullo, el Che también prefirió morir de pie que vivir arrodillado, diferentes causas mismas motivaciones, preservar la dignidad humana y propia.

Lo dicho, un excelente thriller en que Cronenberg vuelve a demostrar que es capaz de sorprender, atraer y cautivar. Y Mortensen, ... pues creo que ya no me quedan palabras para el valiente Aragorn, el castellano y leal Alatriste, el poco escrupuloso Nikolai... bueno sí, tengo que admitir que es de lo más versátil y consigue que todas y cada una de sus interpretaciones sean un regalo para el espectador, además este actor se mete de tal manera en el personaje que es alucinante los preparativos y molestias que se toma para prepararlos (en la foto con el cuerpo cien por cien tatuado, justo antes de que le marquen con las dos estrellas en el pecho, era un regalo que queria hacer a nuestras amigas lectoras, que también tiene derecho a ver imágenes sugerentes).

Desde este blog pido la nominación como mejor actor protagonista a Viggo Mortensen por esta maravillosa creación de un sobrio e inteligente chofer en Promesas del Este...

FIRST OF ALL... I HAVE TO SAY (redoble de tambor)

Per començar, ays la costum, quiero decir, para empezar queria hablaros de mi programa de radio, sí Una vida de película de donde nace el blog. Pues el pasado puente conocí a dos chicos majisimos, y resulta que son actores y les invité a colaborar en el programa, muy amablemente ellos cedieron.

Ellos son Jordi Carbonell y Rubén Mira, dos alcoians de lo más salat y dos grandes profesionales de las tablas, yo tuve la ocasión de ver una de sus obras en mi pueblo, era la representación de Ra-ta-ta-tá, una obra sobre la guerra y sus despropósitos en clave de humor, como todo lo que hacen ellos de momento (ya tendremos tiempo para ponernos dramáticos). Según Jordi ellos hacen teatro de la risa como les gusta llamarlo. He de decir que me lo pasé muy bien y en concreto me quedo con los actores escondidos bajo una peluca femenina y una falda, están de lo más divertidos como mujeres (ya que en ninguna de las cuatro obras que llevan a cabo cuenta entre sus interpretes con una mujer, ya nos contará el jueves 18 de octubre en el programa de radio -que podeis oir a través de nuestro link Radio Cocentaina- Jordi a que se debe la falta de mujeres, aunque les adelanto que no es por falta de ganas).

El siguiente jueves, 25 de octubre será la presentación de Rubén Mira y aunque aún no he tenido mi primer tomada de contacto con él estoy segura de que todo irá tan bien como con su amigo y compañero de fatigas Jordi.

Estos dos jóvenes actuan a las ordenes de la companyia de teatro alcoyana La dependent, con la que actualmente están representando dos obras: H2O sobre la problemática del agua, tema que interesó desde el principio de su director Pep Cortés y del que han sacado mucho juego y también acaban de estrenar con gran exito (entradas agotadas los dos días de representación en el calderón) Va de bo sobre la actual crisis de identidad que vivimos, tanto política, sexual, social... quienes somos? de dónde venimos? a dónde vamos? un sumum de preguntes ¿sense resposta? En las dos obras Jordi y Rubén están acompañados por sus habituales compañeros: Gabriel Calleja, Jonatan García, Xavier Giménez y Xavi Francés (si hay algún cambio es mea culpa, Jordi lo ha dicho en la radio pero estos son los nombres que aparecen en la web de La dependet: http://www.ladependent.com/).

Otras obras que han unido a este grupo son: Teloneries con la que empezaron, Ra-ta-ta-tá, H2O y Va de bo. Todas muy recomendables y divertidas. Lo que hace especial a este grupo de jóvenes actores es que no se conforman con subirse al escenario con el texto aprendido, ellos participan en el proceso de creación de la obra junto a los guionistas Ximo Llorens y Miquel Peidro. Una vez escrita la obra a su gusto además se permiten el placer de adaptar los textos a su estilo interpretativo y lo mejor de todo es que dan cancha libre a la improvisición y uno de los elementos que les marca es que vienen marcados por unos inicios muy unidos al mimo.


¿No querrán que se lo siga contando? Las próximas fechas de las siguientes actuaciones de Va de bo y los últimos estertores de H2O aparecen en la web de la dependent, bueno no puedo evitar copiar la fecha de la última representación de H2O que no me gustaria que os la perdierais si estáis por la zona y entendeis el valenciano, ya que esta si que es totalmente en valenciano (pero Va de bo tiene versión en castellano):

Divendres 26 en la Pobla de Farnals en la Casa de Cultura a las 22.30, la última representación de H2O, con todos ustedes mis nuevos colaboradores en Una vida de película. Disfrutenlos!!!


Un beset als dos, Rubén y Jordi (por cierto, quiero una foto de los dos para el blog, para que todas se mueran de la envidia con los dos colaboradores tan guapos que me han salido)

El orfanato

Debut en el largometraje del director Juan Antonio Bayona, “El orfanato” es una película de terror que narra la historia de Laura, una mujer que decide recuperar el antiguo orfanato en el que pasó parte de su infancia. En la fiesta de la inauguración desaparece su hijo Simón y pronto se desencadenarán una serie de acontecimientos que pondrán a Laura al límite de su cordura.

Estamos ante una interesante película de suspense y terror en la que las emociones y los sentimientos de los personajes, en especial el interpretado admirablemente por Belén Rueda, cobran una importancia especial. No es la primera vez en la que nos encontramos, sobre todo en los últimos años en películas firmadas por Jaume Balagueró, Alejandro Amenábar o M. Night Shyamalan, historias de terror atravesadas por un importante componente de drama, dando especial relevancia a las emociones de los personajes. Es uno de los aciertos de la película: el absoluto protagonismo de Laura (Belén Rueda aparece en absolutamente todas las escenas de la película) y el hecho de estar narrada a través de sus ojos y sentimientos, hace que lo narrado sea más cercano al espectador y añada un componente humano al terror.

Sin embargo, no todo es sobresaliente en esta película. La acumulación de tópicos del género (el eterno recurso de los sustos, la casa encantada, la presencia de inquietantes niños, el sonido terrorífico de pasos y ruidos desconocidos, la aparición de antiguas películas, el descubrimiento constante de puertas ocultas…) despiertan en el espectador la sensación de deja vú en demasiadas ocasiones. Como suele ocurrir en este tipo de películas, en el consabido final sorpresa, se trata de dar credibilidad y verosimilitud en poco más de un minuto a todo lo que hemos visto en la hora y media anterior. El efecto sorpresa y la intensidad dramática de ese final están logradas en la película de Bayona pero al momento uno descubre que muchos de los elementos que han ido desfilando ante nuestros ojos (la cueva junto a la playa, los recurrentes planos del tiovivo en movimiento…) sólo han sido utilizados para despistar al espectador ya que, al final, nada aportan a la verdadera historia que se nos narra. A estos elementos se podrían añadir algunos personajes sin enjundia, tales como el marido de Laura (irrelevante su presencia en la historia), la psicóloga interpretada por Mabel Rivera o la, a la postre, anecdótica presencia de Benigna, la inquietante anciana que protagoniza los primeros momentos de suspense y terror en la película y que termina siendo un personaje cuya presencia no aporta demasiado a la historia salvo su actuación en el pasado. Todo parecen trucos para despistar al espectador, para mantener su atención sea de forma justificada o no.

Por el contrario, deben ser tenidos en cuenta los no pocos aciertos en la puesta en escena de algunas secuencias. Especialmente brillantes y efectivas son las soluciones estéticas y narrativas de dos escenas: la sesión de espiritismo (con una siempre convincente Géraldine Chaplin) y el juego en el que Laura “invoca” a los niños dando golpes en la pared. A estos momentos tan inquietantes como demostrativos del talento de Bayona debe añadirse la escena en la que Laura cree hablar con su marido en la cama, en uno de los momentos más brillantes y al tiempo más inquietantes de la interpretación de Belén Rueda.

Cabe mencionar también un logrado cuidado estético, tanto en la fotografía de Oscar Faura como en la dirección artística de Josep Rosell. Por último, merece la pena ser destacada la música de Fernando Velázquez, especialmente en el tramo final de la película.

En resumen, se puede decir que “El orfanato” es una buena película con una muy interesante idea original a la que le sobran lugares comunes en el género de terror y que descubre a un cineasta con talento estético y un especial cuidado por los aspectos humanos y emocionales de la historia que narra.

Siete mesas de billar francés

En su quinto largometraje, Gracia Querejeta narra la historia de dos mujeres muy distintas condenadas a entenderse cuando el padre de una y pareja de la otra muere dejando una sala de billares, un piso y un montón de deudas. Sin embargo, la historia nos irá mostrando que además, el fallecido deja a estas dos mujeres un montón de frustraciones y sinsabores que cada una de ellas trata de superar como puede.

Querejeta nos cuenta esta historia llena de humanidad con un sentido del humor que no se había visto hasta ahora en su filmografía. Es como si quisiera acercar su cine a la calle y conectar con el espectador intentando que sus personajes resulten simpáticos al espectador. Así, la lírica y el intimismo de películas como “Héctor” y sobre todo la excelente “Cuando vuelvas a mi lado” dan paso al sentido del humor (no exento de drama) y un planteamiento que bien podría haber firmado el Fernando León de Aranoa de “Los lunes al sol”. Querejeta y su coguionista David Planell tratan de crear unos personajes lo más verosímiles posible, sencillos y cercanos al espectador. Es quizá esta construcción de los personajes el punto fuerte de un guión que sin embargo tambalea sensiblemente en su acumulación de situaciones de lo más singulares.

Dando vida a estos personajes encontramos dos estupendas interpretaciones de Maribel Verdú y Blanca Portillo, secundadas con demostrada solvencia por Jesús Castellón, Lorena Vindel, Ramón Barea, Enrique Villén, Raúl Arévalo o el niño Víctor Valdivia, ya visto en “La educación de las hadas” y “Atlas de geografía humana”. Destaca también la estupenda música del compositor Pascal Gaigne, que se suele mover como pez en el agua en este tipo de cine, como ya vimos y escuchamos en “Azul oscuro casi negro”.

El balance final es más que satisfactorio en esta película sobre la superación, los conflictos familiares y, en definitiva, las relaciones humanas y vuelve a demostrar que buena parte del mejor cine español actual está siendo realizado por nombres femeninos como Gracia Querejeta, Icíar Bollaín o Isabel Coixet.

Mataharis

Historias sencillas, emociones complejas

El cuarto largometraje de Icíar Bollaín contiene todas las señas de identidad plasmadas a lo largo de sus tres películas anteriores. La capacidad para contar historias aparentemente sencillas y cotidianas, llenas de verdad, pero que a la vez encierran complejos conflictos humanos y contradictorias emociones, son elementos que la directora y actriz ya supo manejar a la perfección en “Te doy mis ojos” y que aquí, en “Mataharis”, vuelve a demostrar.

Detrás de su desconcertante título, “Mataharis” cuenta la historia de tres mujeres detectives, cada una con sus particulares casos, sus vidas familiares, sus conflictos y preocupaciones. Estas detectives, a años luz del glamour y la sofisticación de los Ángeles de Charlie a fuerza de trasmitir veracidad y cercanía, deben compaginar, no sin grandes sacrificios y esfuerzos, sus vidas laborales y familiares. Carmen (una convincente Nuria González) investiga al socio de su cliente y encuentra lo que no buscaba, al tiempo que ve cómo la relación con su marido se sume en la más absoluta incomunicación. Inés (excelente María Vázquez) debe seguir los pasos a un par de sindicalistas que buscan hacer frente a los desmanes de sus patronos para descubrir que debe decidirse entre su profesión y sus convicciones éticas. Eva (extraordinaria interpretación de Najwa Nimri) lucha intentando cuidar a sus dos hijos pequeños, seguir con su trabajo diario y afrontar una crisis matrimonial que la enfrenta con la doble vida de su pareja (magnífico Tristán Ulloa).

Estas tres historias, pequeñas, cotidianas, sencillas y complejas al mismo tiempo, son narradas con veracidad, gracias no sólo a las excelentes interpretaciones (el trabajo de dirección de actores se aprecia especialmente), sino a un guión bien construido y mejor dialogado. Sólo un par de recursos un poco facilones, en cualquier caso menores, empañan el desarrollo de la historia.

La puesta en escena ágil y nerviosa, la realista fotografía de Kilo de la Rica, el trabajo de montaje de Ángel Hernández Zoido y la estupenda y sobria música de Lucio Godoy se conjugan a la perfección para construir esta película sincera, emocionante y honesta que se encuentra entre lo mejor del cine español de 2007.

Cien por cien química... Alexandre y Brondo...

¿Y tú quien eres? es una historia dramática y necesaria, mostrar el dolor de un pariente al ver como sus mayores pierden toda calidad de vida con una enfermedad degenerativa como en este caso es el Alzheimer (en mi caso fue Parkinson, igual de triste y doloroso) y como necesitan de una gran ayuda ya familar o hospitaliaria para no vivir con dignidad el final de sus días.

Puede que Mercero, como ya se ha dicho en la gran mayoria de críticas que se han hecho a la película, haya abusado de la lagrima fácil y es que no hay nada más fácil que llorar con todo el dolor de tu alma por los recuerdos de un ser querido, que en esos momentos ves reencarnado en Manuel Alexandre. Sólo tengo dos peros, me hubiese gustado que no abusase tanto del patetismo que la edad avanzada acarrea y que los diálogos fuesen menos pueriles y mascaditos.

Vamos que la misma película en manos de Fernando León de Aranoa seria un gran retrato social de la enfermedad sin tanta pena y mucha más gloria.

A los enfermos de Alhzeimer (o cualquier otra enfermdad cruel y devastadora) la afectividad es el lazo que los une a la vida y según dice el personaje de su nieta, la maravillosa siempre, Cristina Brondo, la vida de los cuidadores de enfermos dignifica a las personas que lo lleven a cabo, por eso mismo ella como una gran amante de su abuelo deja todo por acompñarle en sus últimos días, semanas, meses... el amor de un abuelo y su nieta es lo más bonito que nos regala esta película, (además de evocar recuerdos de tiempos en que el mio estaba a mi lado...). Además esta pareja rezuma la química necesaria entre parients tan cercanos, vamos que la joven actriz realmente ama a su abuelete Alexandre y viceversa.

No sólo eso es muy entrañable, también los es la recuperación de una vieja gloria que siempre fue uno de los mejores actores de nuestro país, hablo de dejarle coleta a José Luis López Vázquez y ponerle en la misma habitación que Manuel, amigos de enfermedad compañeros de batalla, pitosin y flotador a cuestas. Este vividor es igual de bueno o mejor que el abuelo yonky de Pequeña Miss Sunshine. Un gran acierto. Como también lo es la banda sonora y el diseño de los títulos de crédito.

No pude contener mis lagrimas y una persona como yo que no llora ni cuando ve lo que le pasa a la mama de bambi pues tiene bastante mérito, aunque también juega una baza importante la similitud con la realidad de muchos espetadores, (en este caso con la mia)...

(que preciosidad de poster, pronto estará en mi habitación... un fuerte abrazo a Eduardo y Manolo)

Porque MeDeM se lo merece

Esperando al sol de la medianoche...

Queria informar a los lectores de este blog, que la tercera temporada de Una vida de película en su versión audio (vamos el programa de radio Cocentaina) ya está en marcha y este mismo jueves 27 de septiembre se emetirá un programa homenaje a Julio Medem.

Considero que su carrera es ya lo suficientemente extensa como para hacer un repaso por ella, desde Vacas hasta Caótica Ana con paradas especiales en las esenciales Tierra y Los amantes del círculo Polar (las preferencias de una también cuentan).

Un hombre que consigue crear un universo tan particular y tan lleno de matices debe guardar muchos secretos, muchos ases en la manga pero en realidad él se muestra como es, no oculta nada (bueno y los secretos que tiene los guarda demasiado bien) y en la premiere de Caótica Ana lo comprobé. Pude conocer al genio y... lo que se hablo me lo guardo para mi, eso sí me prometió una entrevista, así que cuando lo cace de nuevo no se escapa.

Pues el próximo jueves en el programa y gracias a la ayuda de Andeka y del webmaster de http://www.juliomedem.org/, Alberto, tendreis la posibilidad de saber secretos de esas pelis, escuchar de nuevo sus canciones y oir los trailers, un programa en el que tiramos al casa por la ventana y a partir de ese ya veré como me las arreglo para alcanzar su nivel, porque está muy bien preparado... bueno trabajar he trabajado, el resultado se verá la noche del jueves.


Saludos para los foreros de juliomedem.org y a disfrutar de una noche de radio, espero que os guste.

De como Breslin se come a la Zeta-Jones. Deliciosa Abigail...

Una vez más el cine yankee parece carente de nuevas ideas. Ya que últimamente la tendencia de realizar remakes de films europeos de éxito es una de sus más utilizadas estrategias, ese es el caso de Criminal (Nueve reinas), y de Sin reservas que adapta libremente la alemana Deliciosa Martha, que como indica su título es un exquisito plato para gourments. La nueva versión no aporta nada nuevo, tan sólo dos atractivos actores en pantalla que juegan a enamorarse.

Dicho así parece que odie la película pero no es así, un suave juego con la comida para sibaritas y la aparición de la dulce Pequeña Miss Sunshine, Abigail Breslin, ya son motivo suficiente para deleitarse durante hora y media. Es una película que se deja ver sin complicaciones, para dejar de pensar un rato, con una buena dosis de drama y una pizca de comedía.

Básicamente Kate vive pendiente de su trabajo y regida por muchas normas que ella misma crea en su universo para justificarse la falta de diversión, además asiste al terapeuta pero tan solo porque su jefa la amenaza con despedirla, ya que cada vez que uno de sus clientes se queja de sus platos, tiene arranques de mal humor. Pero su vida cambiará cuando su hermana fallece en un accidente y Kate tiene que hacerse cargo de una preciosa niña de 12 años, ahí es donde entra Breslin, que consigue que cada momento en pantalla enriquezca el resultado de la escena. Abigail Breslin nos sorprendió el pasado año en esa película independiente que llegó a cautivar mucho corazones, hablo de Pequeña Miss Sunshine (que si no la han visto ya tienen deberes para el fin de semana,) una película ante la cual ya nadie se siente un bicho raro.

Otro componente a nombrar de Sin reservas es una genial banda sonora de Phillipe Glass que reune a los mejores cantantes de ópera y una preciosa It's wonderful, extraida de la BSO de Deliciosa Martha, que resulta sublime.

A pesar de todo tengo que decir que Scott Hicks no logra superar la obra de la alemana Sandra Nettelbeck, ni Catherine Zeta-Jones está a la altura de la delicadeza de Martina Gedeck. Puede que el chef italinao que compone Sergio Castellitto resulte mucho más simpático que el de Aaron Eckhart pero de lo que si estoy segura es de la elección de Breslin como la pequeña huerfana, que traerá a su tia a un nuevo mundo que ella nunca habia ni soñado que existia.

La carta esférica

Largometraje número 12 en la trayectoria de Imanol Uribe, La carta esférica es una adaptación de la novela homónima de Arturo Pérez Reverte. No es la primera vez que Uribe adapta a este escritor, puesto que hace más de 10 años coescribió el guión de Cachito, dirigida por Enrique Urbizu.

Se trata de una película convincente, bien rodada y, sobre todo, con un buen ritmo narrativo. En su haber también se incluye una buena factura técnica, en la que destaca la fotografía de Javier Aguirresarobe y la estupenda música de Bingen Mendizabal. La pareja protagonista tiene química, algo ya demostrado en otras películas en las que han trabajado juntos. Carmelo Gómez vuelve a demostrar su extraordinario talento y Aitana Sánchez Gijón acierta en su interpretación de una moderna femme fatale.

Pero no todo está a la misma altura en esta mezcla de thriller y aventuras con aroma a película de piratas en busca de tesoros bajo el mar. Uribe se muestra más hábil como realizador que como guionista y, a pesar de conseguir hacer creíbles los personajes estereotipados de Pérez Reverte, no termina de disipar los eternos tics del escritor sobre marineros solitarios que siempre echan de menos un pasado supuestamente mejor (siempre mitificado y falseado por el escritor de Cartagena) o mujeres fatales y misteriosas. Personajes y situaciones típicos en su obra, mitificados y alejados de la realidad que en el guión de Uribe sólo resultan creíbles a medias. Tampoco ayuda una excesiva voz en off que no aporta mucho a la narración y termina mostrándose excesivamente deudora de su origen literario. Por otro lado, Javier García Gallego resulta el anticarisma en un papel como el del Piloto, que precisaba a un actor con mucho mayor gancho y cualidades interpretativas.

La carta esférica es, con todo, una entretenida y eficiente película de aventuras y misterios que se ve con agrado si uno no se pone muy exigente.

Trailer de la película:

Caótica Ana

En la primera escena de Caótica Ana una alondra caga sobre la cabeza de un halcón, que se venga matándola.

Este es el origen del séptimo largometraje de Julio Medem, en el que el director dedica un sincero homenaje a la mujer como guardiana de la vida frente al instinto destructor del hombre. Medem narra la historia de una joven pintora que viaja de su Ibiza natal (en la que vive con su padre alemán en una cueva) hasta Madrid para asistir a una residencia de jóvenes artistas en la que encontrará la amistad, el amor y la hipnosis, mediante la cual se asomará por primera vez en su vida al abismo caótico que guarda en su interior. Un abismo que la llevará a descubrir que dentro de ella habitan las vidas de otras mujeres jóvenes que murieron a lo largo de la historia de forma violenta a la edad de 22 años. Se trata de un repaso histórico sobre las muertes violentas de mujeres a manos de los hombres, lo que le permite al director hacer una crítica contra la destrucción de los indios americanos, los abusos de Marruecos contra el pueblo saharaui o la actual guerra de Irak.

Se trata de una película hecha desde las entrañas, quizás menos poética de lo habitual en el cine de Medem y desde luego más violenta e inquietante, con escenas de una intensidad enorme. No faltan, sin embargo, los símbolos, las metáforas (empezando por esa primera escena de la alondra y el halcón) y un discurso cargado de contenidos bien articulados. A pesar de su densidad, Caótica Ana es quizás la películas más accesible de Julio Medem desde La Ardilla Roja, otra película de corte feminista.

Que Medem es un superdotado para narrar con imágenes no es ya ninguna novedad, pero en esta ocasión su libertad a la hora de narrar (como la cuenta atrás para inciar una sesión de hipnosis, del 10 al 0) y plasmar en imágenes su complejo relato más atrevida y valiente que nunca. Para ello, cuenta con el montaje del propio director, una excelente fotografía de Mario Montero y la sobrecogedora música de Jocelyn Pook. Filmada en video de alta definición, la película mezcla una estética luminosa en contraposición con la oscuridad del interior de Ana, un interior que irá descubriendo a medida que viaja desde Madrid a Nueva York y Arizona.

Las interpretaciones, como siempre en el cine de Medem, son extraordinarias, empezando por la frescura de Manuela Vellés, su nuevo descubrimiento, en un complejo papel con muy diferentes registros que la actriz resuelve con sorprendente talento. Lo mismo se puede decir de los trabajos de Bebe, Nicolás Cazalé y Lluís Homar. Más discretas resultan las interpretaciones de Charlotte Rampling y Asier Newman.

Caótica Ana muestra a un Medem que evoluciona, diferente a los anteriores pero al mismo tiempo 100% Medem, más libre, ambicioso y atrevido que nunca en su narrativa, pero también más transparente. No es plato para todos los gustos, pero quien disfrute de Caótica Ana, hallará una obra fascinante y hermosa que vuelve a colocar a Julio Medem en la élite de los cineastas europeos más brillantes y personales de la actualidad.

Trailer de Caótica Ana:

Medem tiene la culpa de TODO

Anoche fue el gran preestreno de Caótica ANA, después de una larga espera y gracias al responsable de JULIOMEDEM.org my partner Andeka and me acudimos a ver el nacimiento de este bebé, que ya es del público y si quereis que os sea sincera, tengo que citar al maestro "esta historia me cogió por dentro y ya no me suelta". La capacidad de Julio para crear sus particulares universos no es que siga igual, sino que el genio la ha desarrollado y con Ana crea una imagineria visual que ataca directamente al estómago del respetable... cierto es que una historia como esta indiferente no te deja... A mi me revolvió tripas y corazón a ritmo de la nueva en sus películas Jocelyn Pook. Aunque antes de escribir mi comentario sobre el filme, prefiero hablar de la noche tan mágica que pasamos.

Cuando amas el cine (si, si lo que muchos llamais freaks) y encima adoras a Medem conocerle y escucharle es lo mejor que te puede pasar. Le pude dar las gracias por haberme hecho disfrutar con todas y cada una de sus películas pero sobre todo comentamos lo importante que era Los amantes del circulo Polar para mi. Cómo Otto y Ana se habian instalado en mi vida para no dejarme ya nunca (Fele y Najwa fueron adorables), el resto de la conversación se queda Off the record... también intenté conseguir información privilegiada (deformación profesional) y le pregunté a Peru Medem por la pregunta de toda la vida, él contestó: "la imaginación a veces es el arma más poderosa" cierto pequeño Otto pero si supieras las veces que he escrito aviones de papel buscando la respuesta definitiva...

Julio Medem, familia y sus actores son una gente maravillosa, gracias por una noche tan especial!!!

Antes que nada decir que la naïf Manuela Vellés está prodigiosa en su papel de Ana y la cantante-guerrera Bebe también consigue tocarte fuertemente, porque en el fondo tiene toda la razón del mundo... el resto del reparto también queda a una gran altura pero eso ya lo contaré en otro momento, me voy a disfrutar de Madrid!!!!


Otro día cuando haya madurado mi opinión sobre CAÓTICA ANA os comentaré pero de momento la tengo dando vueltas por mi corazón, por mi mente y cogida dentro como un bebé que no quiere soltar el utero materno, GRACIAS MEDEM por seguir dejándote la piel en todo lo que haces.

El porqué de las cosas

No es ningún secreto que Andeka y yo vemos el cine de manera totalmente diferente, escribimos diferente y somos muy parecidos sin parecernos en nada... la cuestión, a partir de ahora voy a desnudar el alma de las películas que aquí os comente, al igual que Andeka siempre ofrece los mejores datos y la información más suculenta yo pienso en navegar por la cinta y contarte que me ha transmitido, qué he entendido... una manera diferente de abrir los ojos ante un filme más espiritual, otra forma de entender el cine (que a su vez Andeka tiene muy desarrollada pero habrá que esperar a que se suelte para desnudarse como hoy lo voy a hacer yo).

Empezaré por un filme americano que vi el otro día, muy laureadas sus interpretaciones y con Oscar para su protagonista, En la cuerda floja. Sus interpretes, Reese Witherspoon y Joaquin Phoenix, consiguen que sus June Carter y Johnny Cash merodeen por la pantalla al ritmo de un rock renegado...

La verdad es que la película consigue entretener y atrapar al espectador pero lo que de verdad importa y es patente es la QUÍMICA entre Reese y Joaquin, ambos saben aprovechar este auténtico logro, teniendo en cuenta que la mayoria de parejas hollywoodienses son un intento desesperado por llevar a la gente al cine y conseguir taquillazos. En la cinta de James Mangold el biopic del cantante más rebelde de los cincuenta, el hombre que siempre vestia de negro, es una excusa para contar una historia de superación personal y de asimilación del yo más oscuro.

Johnny Cash no sabia nada de música pero sabia transmitir lo que sentia y decirlo alto y claro con su voz y unos acordes desgarradores que según él eran fruto de la coincidencia pues era el ritmo que le habia elegido a él y no podia crear otras características para su música pues era inconsciente. En realidad su magnetismo hicieron que después de grabar el primer disco consiguiera meterse en una gira en que los nombres recién descubiertos por discográficas recorrian los USA en un autobus, entre ellos la joven y de una estirpe de cantantes, June Carter.

La relación de amistad entre ambos que se gestó en estas giras y en las posteriores, de los dos cantantes sin sus antiguos compañeros, en aquellos momentos grandes músicos que sonaban en todas la radios: Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. Cuando June descubre los problemas de adicción de Cash ofrece su ayuda a un abatido hombre que piensa en dejar la música y olvidarse de su vida pero cuando hay algo por lo que luchar, se nada a contracorriente si es preciso.

Una hermosa casa de madera en un lago será el pretexto de Cash para salir de las negras redes de la mala vida y volver a hacer sonar esa guitarra que saca un rock tajante. El personaje que interpreta Joaquin consigue emocionarnos pues esta es una historia real, sabemos que detrás de las pequeñas falsedades o exageraciones cinematográficas, en realidad hubo un hombre que se esforzó por triunfar, ahí están sus discos.

Otro de los logros de Cash es de todos conocido, siguió la estela de June hasta que le mostró que estaba por el buen camino y se dedicó a enamorarla. Una bonita historia de amor es el centro de muchas películas (y siempre se agradece que nos cuenten como otros se han enamorado) pero en esta hay verdad. Ella no cedió facilmente a los ataques masculinos, espero a que fuese el momento adecuado, a que él encaminase su vida por el sendero de los focos más brillantes.

Johhny no habia tenido una infancia fácil por un trauma que sufria en silencio, algo que marcó la relación con su padre, que fue durante toda la vida muy tensa.

En la cuerda floja es una película fácil de ver con dos buenos interpretes que hacen que las chispas salten. Dicho sea de paso, cuesta bastante encontrar en la cartelera yankee ofertas mucho más interesantes aunque siempre nos quedará el cine menos comercial y nuestro amado cine español, que sube de nivel a pesar de la archiconocida y endémica crisis.

os recomiendo la película para una tarde-noche tonta en la que no quereis más que oir buena música y que nos hagan pasar un rato agradable, sentir que has visto una historia verdadera o con mucha verdad a pesar de ser ficción...

El cine de Berlanga

Luís García Berlanga es uno de los nombres clave de historia del cine español. Nunca falta entre las 10 primeras al menos uno de sus títulos en las listas que, con frecuencia, se realizan para designar las mejores películas del cine español.

Berlanga nació en Valencia en 1921. Cuando estudiaba Filosofía y Letras su padre fue encarcelado por pertenecer al Frente Popular, lo que le llevó a abandonar la universidad y enrolarse en la División Azul a fin de contribuir a la salvación de su padre.

En los años 40 estudió cine en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid y, además de escribir para “Las Provincias” rodó sus primeros cortos: “Tres Cantos” y “Un paseo por una guerra antigua” (ambos de 1948) y “El circo” (1949).

En 1951 debuta en el largometraje codirigiendo con Juan Antonio Bardem “Esa pareja feliz”, una comedia que se salía de los cánones habituales en el cine español de la época, inspirada en cierto modo en el Neorealismo Italiano, apostando por un acercamiento a la realidad social y a los problemas económicos de los jóvenes. A esta película, que en su momento pasó desapercibida, le siguió “¡Bienvenido, Mister Marshall!” (1953), que en un principio también iba a dirigir junto a Bardem (con quien escribió el guión junto a Miguel Mihura) pero que acabó filmando en solitario. Película clave en el cine español de los 50, “¡Bienvenido, Mister Marshall!” contiene detrás de su humor cotidiano y casi tierno, una crítica hacia las autoridades españolas y estadounidenses que pasó desapercibida ante la censura. Además, contenía algunas de las señas de identidad del futuro cine de Berlanga, como los protagonismos corales, el humor ingenioso y la crítica social.

En 1954 estrena una de sus películas más olvidadas, “Novio a la vista”, inofensiva comedia veraniega que poco tiene que ver con las ácidas sátiras políticas y sociales posteriores. Mayor éxito tiene “Calabuch” (1956), película antimilitarista envuelta de nuevo en un tono amable y tierno que pasa por ser una de sus películas más recordadas, siendo premiada en el Festival de Venecia. “Los jueves, milagro” (1957) marca un punto de inflexión en su cine. De nuevo una comedia coral ambienta en un pequeño pueblo, la película tiene una primera mitad brillante pero se topó con serios problemas de censura que alteraron la parte final del largometraje. No sería ni el primero ni mucho menos el último encontronazo que Berlanga tuviera con la censura, a media que sus comedias se iban haciendo cada vez más ácidas y críticas con el franquismo.

A finales de los 50 comienza su colaboración con el guionista Rafael Azcona, con quien escribirá varios guiones prohibidos hasta que consigue filmar “Plácido”, su primera obra esencial y una de las críticas más ácidas, lúcidas e irreverentes hacia la caridad cristiana y a la sociedad conservadora española. La película le valió una nominación a los Oscars como película de habla no inglesa.

Confirmando su gran momento creativo junto a Azcona, estrena en 1964 la que para muchos es su mejor obra: “El verdugo”, comedia negra y desgarrada contra la pena de muerte de repercusión internacional que le supuso el definitivo enfrentamiento con el Régimen de Franco, quien llegó a decir de él: “Berlanga no es un comunista, es algo peor, es un mal español”.

Con serios problemas para sacar sus guiones con Azcona adelante debido a las presiones de la censura, Berlanga decide rodar en Argentina su siguiente película, que llegará a los cines en 1968. “La boutique” se trata de una de sus películas menos recordadas.

En 1970 rodará de nuevo en España “¡Vivan los novios!”, comedia irreverente en la que José Luís López Vázquez (habitual en su cine) interpreta a un reprimido sexual que ha de casarse sin muchas ganas. Se trata, en cualquier caso, de una película menor en su filmografía.

De nuevo por problemas con la censura, Berlanga rodará, esta vez en Francia “Tamaño natural” (1974), su única no-comedia y para muchos su película más personal y desesperada en la que Michel Piccoli interpreta a un solitario médico que vive con una muñeca cada vez más aislado del mundo y sumergido en su mundo de ficción.

Con la desaparición de la censura en 1977, Berlanga y Azcona se sintieron más libres a la hora de hacer sus habituales críticas políticas y sociales en forma de comedias. Esto haría, como tantas veces ocurrió en las comedias de la época, que su cine derivara en cierto modo hacia un humor a veces más chabacano y en ocasiones vulgar, aunque sobre todo en los primeros años de la democracia, su ingenio y su chispa siguió siendo muy efectiva.

Así, en 1978 estrena “La escopeta nacional”, de nuevo una comedia coral en la que se satiriza con ingenio y talento sobre las cazas que se organizaban durante el régimen fascista para hacer negocios atravesados por la corrupción más escandalosa. La película se convirtió en todo un éxito de taquilla, lo que propició una segunda parte, “Patrimonio nacional” (1981), centrada esta vez en la decadencia de la disparatada familia del marqués de Leguineche, en la que se hacía mofa de la situación de la aristocracia española en plena transición. La película supuso otro nuevo éxito de taquilla que culminó con “Nacional III” (1983), tercera y última parte de las andanzas de los Leguineche, esta vez a cuenta de la evasión fiscal a Francia.

En 1985 estrena un proyecto largamente gestado llamado “La vaquilla”, la particular visión de Berlanga sobre la Guerra Civil que supuso el mayor éxito de taquilla de su carrera. Aún con momentos muy divertidos e ingeniosos, la película supone de alguna forma el comienzo de la decadencia en la calidad del cine del cineasta valenciano. En 1987, estrenará su última película escrita junto a Rafael Azcona, “Moros y cristianos”, otro éxito de taquilla que muestra que los mejores años del cine de Berlanga quedan atrás y prefiere adentrarse en un humor a veces vulgar, poco sutil y no demasiado ingenioso.

Otro tanto de lo mismo ocurre con “Todos a la cárcel” (1993), comedia despendolada en la que una vez más habla de la corrupción política (esta vez del Partido Socialista de la época) pero sin el talento ni la chispa de “La escopeta nacional”.

Cierra su filmografía “París- Tombuctú”, exabrupto ácrata de nuevo protagonizado por Michel Piccoli que más que lúcido resulta vulgar y muy poco inspirado. Consciente de que era su último largometraje, Berlanga cargó las tintas en su tono anárquico y su humor despiadado pero el resultado nada tiene que ver con su mejor cine.

Pese a una última etapa de su carrera cinematográfica poco interesante, es justo reconocer en Berlanga a uno de los cineastas más brillantes que ha dado el cine español, con títulos emblemáticos que se encuentran entre lo mejor del cine hecho en España.

Aquí, uno de los momentos más famosos de toda su filmografía: el discurso del alcalde "¡Bienvenido, Mister Marshall!" interpretado por Pepe Isbert:

El cine de Martin Scorsese

De entrada, diré que no comparto el entusiasmo y la devoción generales hacia el cine de Martin Scorsese. Si tuviera que hablar de obras maestras diría que sólo tiene una: “La edad de la inocencia”, una de las poquísimas películas del italoamericano en las que los personajes femeninos no se limitan a ser más que un obstáculo o una incomodidad para que los masculinos alcancen sus propósitos y la única en toda su larga filmografía en la que habita un personaje femenino fascinante y arrebatador: el interpretado admirablemente por Michelle Pfeiffer.

Pienso que Scorsese tiene películas muy buenas, buenas, regulares y malas. En su estilo habitual hay varias cosas que me irritan con frecuencia: creo que a veces se pasa con movimientos de cámara gratuitos y mareantes (para los críticos, lo que en Brian De Palma es efectismo barato y esteticismo innecesario, en Scorsese es un ejemplo de realización vigorosa y puesta en escena llena de energía), su velocidad narrativa a veces resulta cansina y contribuye a distraer incongruencias argumentales, sus continuas voces en off a veces resultan innecesarias, la duración de varias de sus películas es excesiva, su continuo rollo cristiano aburre en bastantes de sus películas…

Dicho lo cual, creo que en general Scorsese es un muy buen director que en varias ocasiones ha dado muestras de un gran talento.

Intuyo que muchos de los que se declaran admiradores apasionados de toda la obra del “maestro” no conocen sus mediocres comienzos en películas anodinas como “¿Quién llama a mi puerta?” o “El tren de Bertha”. Su cine comenzó a llamar la atención con su tercer largometraje, la sobrevalorada “Malas calles” (1973), en la que se encuentran varias de sus constantes cinematográficas futuras, incluyendo defectos y virtudes. Después vendría la olvidable “Alicia ya no vive aquí”, especie de folletín con personaje femenino agotadoramente histérico interpretado por una histriónica Ellen Burstyn. Con “Taxi driver” llegaría su primera gran película, con un Robert de Niro convertido en estrella gracias a su trabajo en la segunda parte de “El padrino” de Coppola. La historia del solitario y desquiciado taxista que deambula por las calles de Nueva York fue también el primer éxito comercial de Scorsese, al tiempo que otros compañeros y amigos conquistaban a la crítica y al público de medio mundo con sus películas (las dos partes de “El padrino” de Francis Ford Coppola, “Tiburón” de Steven Spielberg o “Carrie” de Brian de Palma).

Scorsese se enfrenta entonces a una película musical de alto presupuesto con la que pretende rendir homenaje a los musicales del Hollywood clásico. “New York, New York” (1977) es una interesante película (excesivamente larga en su versión extendida de más de dos horas y media) que fracasó en taquilla. Tras el rodaje del último concierto de The Band mostrado en “El último vals” (1978), rueda su segunda gran película, “Toro salvaje” (1980), la historia de ascensión, éxito y caída del boxeador Jake La Motta interpretado por un intenso Robert De Niro.

Los ochenta serían unos años irregulares para el cine de Scorsese. Filmó la mediocre “El rey de la comedia” (1983) y la curiosa comedia negra “Jo, qué noche” antes de hacer una muy interesante secuela del clásico “El buscavidas” llamada “El color del dinero” (1986), de nuevo con un excelente Paul Newman.

Si “Taxi driver” había sido controvertida por su violencia explícita, la mayor polémica de su carrera llegó con “La última tentación de Cristo” (1988), la plasmación definitiva de las inquietudes religiosas con las que Scorsese fue trufando buena parte de su filmografía. La película plantea una visión interesante sobre la figura de Jesucristo pero, una vez más, resulta excesivamente larga. La década terminaría con uno de los tres capítulos de la película colectiva “Historias de Nueva York” que firmaría junto a Francis Ford Coppola y Woody Allen.

En 1990 estrena un clásico del cine de gangsters, “Uno de los nuestros”, película que de alguna forma vuelve a los ambientes callejeros de “Malas calles”. Se trata de una película muy interesante, ágil, por momentos brillante, pero que también adolece de algunos de los tics más típicos del cine de Scorsese (excesivo metraje, excesiva voz en off, excesiva música machacona… en definitiva, excesiva).

Después, Scorsese apostaría por el cine de encargo y los remakes hollywoodienses con una nueva versión de “El cabo del terror”. En “El cabo del miedo” (1991), el cineasta apuesta por aprovechar el éxito que el thriller disfrutaba en aquellos años (gracias a títulos como “El silencio de los corderos” o “Instinto básico”) y le sale una película interesante, fácil de ver, con momentos muy conseguidos y con un tramo final no muy convincente.

Después llegaría el giro total a su cine. De la violencia, el ritmo frenético y el rock and roll constante, Scorsese pasa a la delicadeza, a la emoción sin artificios y a la poesía de “La edad de la inocencia” (1993), su película más emotiva y hermosa. Por una vez, Scorsese hace un retrato de un personaje femenino admirablemente y consigue una película exquisita en todos sus aspectos. Sin embargo, en el fondo, sigue hablando de los difíciles equilibrios de poder que también plasma en películas como “Casino” (1995), vuelta al cine de mafiosos, esta vez de alta estofa, ambientada en Las Vegas. Se trata de una de sus mejores películas. A pesar de su larga duración, de su excesiva voz en off y del pelma de Joe Pesci haciendo un personaje calcado al que ya hizo en “Toros salvaje” y sobre todo en “Uno de los nuestros”, se trata de una película vibrante, llena de nervio e intensidad.

“Casino” sería su última gran película en mucho tiempo. En 1997 firma “Kundun”, una decididamente aburrida película sobre el budismo y dos años después nos castiga con la película más artificiosa y boba de cuantas haya filmado, “Al límite” (2000), pretendido regreso al universo de “Taxi driver” con un Nicholas Cage absolutamente sobreactuado, un guión inverosímil y un tono divertidamente trepidante (rock and roll a todo volumen, carreras de ambulancias…) que en nada se corresponde con lo narrado.

La muy esperada “Gangsters de Nueva York” (2002) prometía un regreso al cine de las mafias de Nueva York que tan bien se le da a Scorsese, aunque esta vez retrocediendo un siglo. El resultado fue una película de nuevo excesivamente larga, excesivamente sobreactuada (Daniel Day Lewis está insoportable) y excesivamente histérica en su puesta en escena. Todo pretende ser a lo grande, ampuloso y apabullante para el espectador, pero a la postre resulta cansino y reiterativo. En cualquier caso, esta película sería el primer encuentro entre Scorsese y el que sería su nuevo actor fetiche, Leonardo DiCaprio, tras su fructífera unión artística con Robert De Niro.

De nuevo con DiCaprio, rodó la nuevamente excesiva “El aviador” (2004), anodina recreación de la vida de Howard Hughes que parecía planificada al detalle para ganar el tan ansiado Oscar que a Scorsese se le venía escapando desde hacía más de 35 años.

Tendría que esperar hasta “Infiltrados” (2006), remake de la película “Infernal affairs”, tras un extenso documental sobre Bob Dylan (“No direction home”, de 2005), para conseguir el Oscar. “Infiltrados” recupera un pulso que Scorsese no mostraba desde “Casino”. No es una obra maestra pero sí un muy interesante thriller, largo pero mucho más ligero que la mayoría de sus películas de extensa duración, entretenida y vibrante. DiCaprio hace un buen trabajo, en contraposición a un sobreactuado Jack Nicholson.

Habrá que admitir que Martin Scorsese es uno de los cineastas más importantes de su generación y que con el tiempo será todo un clásico, pero a mí en su cine me falta capacidad de síntesis y me sobra un cierto tono de "qué guay es la mafia, tío, qué guay el rock and roll de los 50, cómo molan las peleas y las carreras de coches". Si hablamos de mafia, que me pongan la trilogía de “El padrino” de su amigo Francis Ford Coppola. Esas sí son, al menos las dos primeras, obras maestras.

El futuro inmediato del cine español

Ciertamente, esta primera mitad del año está siendo lamentable para el cine español. La taquilla se hunde y no es de extrañar. A penas se ha estrenado hasta el momento nada interesante. Destacaría casi exclusivamente “La soledad” de Jaime Rosales y un documental llamado "Las alas de la vida" que se estrenó de tapadillo. Otras películas como “Teresa” de Ray Loriga son correctas y poco más y “Concursante” no la he visto. Se ha hablado mucho de la decepción de “Bajos las estrellas” y casi todo lo demás o no despierta el interés del público o directamente es malo.

Afortunadamente, los próximos meses se presentan a priori más interesantes. Están pendientes de estreno algunas de las películas que pintan más interesantes en los últimos meses. A finales de agosto se estrenará “Caótica Ana”, el muy esperado regreso a la ficción de Julio Medem (en septiembre se editará en DVD una edición especial con sus dos últimas producciones, los documentales “1% esquizofrenia” y “¿Qué tienes debajo del sombrero?”. Será el arranque de una temporada que nos traerá también la nueva película de Emilio Martínez Lázaro, “Las 13 rosas”, en principio, una firme candidata a acaparar nominaciones a los Premios Goya.

Uno de los debuts que más interés está despertando es “El orfanato”, de Juan Antonio Bayona, con el segundo papel cinematográfico para Belén Rueda después de su celebrada interpretación en “Mar adentro”.

También está pendiente de estreno “La carta esférica”, regreso a la dirección de Imanol Uribe basado en la novela de Pérez Reverte con un amplio presupuesto.

Antonio Hernández, tras lograr su primer éxito comercial con “Los Borgia” (una buena película aunque inferior en calidad a sus magníficas “Lisboa”, “En la ciudad sin límites” y “Oculto”) tiene pendiente de estreno “El menor de los males” que promete un nuevo cambio de género.

Álex de la Iglesia ha terminado el rodaje de su nueva película, “Los crímenes de Oxford”, rodada en inglés con reparto internacional que, tal vez, se estrene a finales de año.

Quedan otros muchos estrenos que pueden levantar la maltrecha situación actual de un cine español que en lo que llevamos de año no ha sido capaz de despertar el interés del público.

Dejo aquí el críptico teaser de “Caótica Ana”, los trailers de "Las 13 rosas", "El orfanato" y "La carta esférica" y una recomendación: los cinco cortometrajes que han rodado Borja Cobeaga, Isabel Coixet, Julio Medem, Daniel Sánchez Arévalo y Nacho Vigalondo con un móvil y bastante imaginación. Pinchando aquí podrás verlos.

Caótica Ana



Las 13 rosas



El orfanato



La carta esférica

Things U will never forget

Sometimes I remember this kind of things you will never forget... Llega la noche de San Juan y con ella muchos recuerdos, sobre todo recuerdos que deseas que se repitan, una y otra vez... Esa noche mágica en que puedes soñar lo que quieras porque sabes que tres deseos puedes pedir y quizá el destino esta vez se acuerde de TI...


Voy a ahondar en el tema de la mágica noche de San Juan y las películas que hablan de ese tipo de fantásticos momentos.

La primer película que me viene a la mente es una de esas que recuerdas con mucho cariño, la sutil y embelesadora Vacaciones en Roma. Tanto, el arrebatador periodista fehacientemente intepretado por Gregory Peck como la sensual y pérdida princesa Anne de la siempre conquistadora Audrey Hepburn, consiguen que la química sea uno de los principales componentes de este cocktail explosivo. Una historia plagada de la típica magia que caracteriza la noche del 24 de junio. Un cuento de hadas con un toque chic, que la dulce y elegante Hepburn consigue darle con su carita de belleza recién descubierta. Adobando este cocktail con la mejor de las presencias masculinas de la época, un apuesto e interesante partenaire, el masculino Gregory (que me tiene loquita)... -seriedad-
No solo el hecho de que ella sea una princesa es lo que convierte a Vacaciones en Roma en un cuento. Si está película mostrase la actual vida (siempre manteniendo a los protagonistas originales y su charme) de una alta ejecutiva que decide dejar unos días el stress de Manhattan y trasladarse a un mediterráneo pueblo a descansar conservaria toda su estela mágica pues es un todo lo que nos enamora de ella, William Wyler consigue impregnar cada sutil plano del mejor feeling.

¿Otra película que me haya seducido irremediablemente? Sin ir más lejos la vi la semana pasada por tercera vez y sigue pareciéndome increiblemente seductora, con la magia más terrenal y mediterránea, hablo de la Bigasiana Son de mar, siguiendo este mismo son me dejo atrapar por la arrebatadora sensualidad de Leonor Watling que atrae a Jordi Mollà y lo convierte en su Ulises particular, que sabe narrar historias clásicas igual de bien como pescar atunes de temporada... El cuento de Ulises y Martina es tan trágico y pasional como cualquiera drama griego. Solo diré "He cruzado todos los oceanos del mundo para saber que no puedo vivir sin ti"... WOW


"Déjame que te cuente un cuento"..."si tu me dejas, si me das tiempo", así Lorenzo consigue que Lucia se quiera quedar para siempre a su lado y que la sirena valenciana recupere la sonrisa. La medemiana Lucia y el sexo es mi tercer cuento de hadas... no solo el faro de Formentera tiene luz propia, todos los personajes tienen ese halo interesante y atrayente, al igual que las coincidencias que son una constante en el cine del vasco. Partiendo de esto la quinta película (pero casi casi lograria el primer puesto en el rankig por todo lo que para mi significa) seria Los amantes del circulo Polar (en la foto), otra fábula que Julio Medem inventa y hace que nos llegue tan adentro como la pregunta de amor de toda la vida, que por cierto... ¿Cuál es la pregunta de toda la vida? Najwa como Ana y Fele como Otto consiguen que su cuento del revés atraviese las visceras del espectador más duro, con nombres capicua y saltando por la ventana como un valiente nos cuentan la apasionada historia de dos hermanastros que se aman por casualidad.


Un beso capicua

La Soledad

Jaime Rosales puede convertirse en los próximos años en uno de los cineastas españoles más importantes al margen del cine comercial. Su propuesta es radical sin llegar a lo puramente experimental. Ya en su debut en el largometraje “Las horas del día” (2003) ponía de manifiesto su estilo narrativo: austeridad, ausencia total de artificio, hiperrealismo tanto en las interpretaciones, la dirección de actores como en los diálogos y una especial querencia por los tiempos pausados, el silencio y una cámara que se asoma pudorosa y con sigilo a las vivencias, emociones, alegrías y tristezas de unos personajes absolutamente cotidianos. El cine de Jaime Rosales convierte lo cotidiano en un arte e incluso en un espectáculo.

En “La soledad”, el director hace aún más énfasis en todos los aspectos de su propuesta cinematográfica, resultando una película auténtica y sincera, en la que lo narrado alcanza la emoción del espectador a golpe de verdad. Las relaciones entre las personas, a menudo mediatizadas por la importancia que le damos al dinero, la incomunicación y las consecuencias de la muerte de un ser querido se dan cita en esta película que supone un soplo de aire fresco en un año en el que el cine español se está mostrando en un perfil demasiado bajo.

La mayor novedad formal de esta película con respecto a “Las horas del día” es el uso de la llamada “polivisión” que consiste en dividir la pantalla en dos mitades de igual tamaño y mostrar dos ángulos, dos posiciones de cámara sobre un mismo espacio. La película utiliza esta técnica en el 30% de su metraje, aunque no en todos los casos esté justificada.

En la propuesta de Rosales, resulta esencial el trabajo de los intérpretes que, en el caso de “La soledad”, resulta de un hiperrealismo tal, su trabajo es tan concienzudo, que la naturalidad que desprende puede descolocar en un principio al espectador no avisado. Los trabajos de Sonia Almarcha, Petra Martínez y el resto del reparto es sobresaliente.

El cine del catalán Jaime Rosales no es fácil de ver, no es ni simpático ni amable, requiere una cierta predisposición del espectador para conectar con una forma diferente de contar historias, pero el resultado puede ser brillante.

El proceso Paradine

Pues cómo le va a sentar la toga? estupendamente bien, Gregory Peck consigue que su personaje viva un tremendo conflito interno que se hace patente en cada nueva toma. A pesar de que los protagonistas del filme no fueron elegidos por Hitchcock, sino por David O. Selznick que los impuso desde un principio, me parece que la elección de Peck es siempre un gran acierto, no he visto aún una mala o mediocre interpretación suya. En este caso su abogado, defensor de la viuda de Paradine se enamora perdidamente de su cliente, sin concesiones, pues cree en su inocencia por sistema, sin que ella se lo confirme.
Con Londres como telón de fondo este filme podría ser de los normalitos del maestro pues no es destacable por ningún aspecto, más bien es un típico filme de juicios con una estructura sencilla. Se plantea la culpabilidad de la esposa de Paradine, es llevada a la cárcel y un abogado amigo de la familia le promete la mejor defensa. Es ahí donde entra nuestro hombre, Gregory representará la cara amable de la ley pero el magnetismo de la viuda hará que caiga rendido a sus pies sin ser correspondido.
Lo que puede diferenciar al filme es que la cliente se niega a colaborar con Peck y esto provoca su sorpresa durante el juicio pues poco a poco se van revelando detalles que el defensor desconoce.
Una recomendable película del maestro pero entre las dos que vi ayer me quedo con Recuerda mucho más intrigante e ingeniosa, además de contar con una pareja que rezuma química...